Práctica Canon (Gala Martínez González)

1.- Principios sobre los que se fundamenta el canon de uno de los grupos de vasijas.

He seleccionado primer grupo de vasijas:

En la cultura griega el canon de belleza siempre parte de la proporción y la simetría, sin embargo este puede variar al verse influenciados por otros factores como por ejemplo la función que desempeñe el objeto creado.
Estas vasijas se clasifican dentro de la familia de las cráteras griegas. Son de gran capacidad y destinadas a contener una mezcla de agua y vino.
El canon de referencia en el mundo griego revela constantes proporciones geométricas. En este caso es la relación 1-1 entre el ancho y el alto de la vasija lo que marca el punto de partida de su forma. Por tanto se concibe una proporción armónica entre las partes y el todo.

Los elementos comunes que se aprecian en este grupo de vasijas son:

- Todos poseen una buena base para dar estabilidad al recipiente.

- Comparten el uso de asas para facilitar su transporte.

- Practicamnente todas las vasijas carecen de tapa para facilitar su uso.


2.- Analisis gráfico según los pitagóricos del objeto "lata de Coca-Cola"

Para analizar la lata de Coca Cola según los principios pitagóricos tenemos que recurrir a los siguientes principios básicos:

- Las matemáticas: Para los pitagírocos la base de la naturaleza es el número, en la lata este hecho se representa en su forma geometrica, que responde a un cilindro perfecto, añadiendo, a demás que la altura de la lata es dos veces el diámetro de su base.

- La simetria: La lata busca con el objeto simétrico la belleza y la sencillez, alejándose de la fealdaz y inutilidad que representan las cosas asimétricas feas.

- La proporcion:Muy ligado al fundamento de la forma con las matemáticas, la proporción existente en la lata es elocuente tanto con la forma como el grafismo respetando la proporción 2 a 1 de la altura y su base.

-La armonía: Este es el concepto de belleza de los pitagóricos, la suma de los tres conceptos desarrollados antes crea la armonía del objeto a partir de una buena proporción y orden. Siguiendo esto se obtiene una lata funcional y formalmente correcta.

3.- Tómese un grupo de objetos actuales entendidos como perteneciente a un mismo canon, y enumerense los principios que lo definen.

He seleccionado las lámparas Tiffany. Su autor es Luis Comfort Tiffany, fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy conocido por sus trabajos en vitral. Se le asocia al movimiento Art Nouveau.

Todas las colecciones de lámparas Tiffany han conseguido destacar a lo largo de los años (hasta la actualidad) dentro del mercado, las razones por las que esto ha sido posible se pueden relacionar con los canones de belleza a los que se sujetan. La característica más destacada es que todas están realizadas por medio de un proceso exclusivo del vidrio llamado Tiffany. El color se convierte en protagonista aportando siempre gran intensidad y gran valor cromático, y manteniendo siempre la traslucidez del vidrio. Otro gran vínculo de unión entre todas las lámparas es su línea claramente modernista. Representado en la ornamentación con las líneas sinuosas, composiciones asimétricas y motivos que nos recuerdan a la natureza.
Gracias a estas características se crea una imagen de referencia que nos hace capaces de reconocer el objeto como perteneciente al grupo Tiffany.

PRÁCTICA CANON

1. PRINCIPIOS SOBRE LOS QUE SE FUNDAMENTA EL CANON DE UN GRUPO DE VASIJAS:

1. Relación de PROPORCIONALIDAD 1:1 entre la altura y la anchura del elemento.

2. La BASE de la vasija mantiene una relación de 1:2 en cuanto a la anchura del elemento en general.

3. La FORMA de la vasija es cóncava hacia arriba.

4. El elemento precisa de 2 ASAS de pequeñas dimensiones, para un buen agarre, situadas por encima de la mitad de la altura del elemento.

5. Descarte de componentes de cierre, TAPAS.



2. ANÁLISIS GRÁFICO SEGÚN LOS PITAGÓRICOS DE UNA LATA DE COCA COLA:

El pensamiento pitagórico estaba dominado por las matemáticas.
La forma del objeto se ajusta a unas determinadas medidas proporcionales, de modo que la altura del objeto es aproximadamente el doble de su base.Al igual que esta característica, el objeto posee otras dimensiones que le aportan simetría y orden. Estas limitaciones constituyen al objeto armonía y equilibrio.

Además se trata de un objeto cilíndrico perfecto, que respeta el orden tanto en la forma como en la composición del logotipo , por lo que todos sus componentes establecen perfectamente la unidad del elemento.

3. CANON DE UN OBJETO. PRINCIPIOS FUNDAMENTALES.

Sargadelos es una empresa de diseño y creación de porcelana gallega dedicada al desarrollo de la cultura de Galicia en todos sus ámbitos creativos.

El canon de las porcelanas de Sargadelos se distingue por la originalidad de sus diseños inspirados en motivos y formas tradicionales de la cultura gallega.

Se reconocen por los colores blanco y azul(en algunos casos con algunos variantes), por la tipografía genuína,por sus formas curvas innovadoras y por la calidad del material.

Todas las colecciones poseen los mismos elementos, con pequeñas variaciones que los hacen exclusivos.

Nuria Vivero Sedes

Papel de la escala como significado en los procesos industriales

Las imágenes que hemos adjuntado nos muestran como el factor de la escala puede llegar a variar la función de un objeto, ya que cada objeto existente posee una escala determinada y reconocida por la sociedad.
En algunos casos la función es simplemente decorativa, como por ejemplo determinadas empresas que utilizan el aumento de escala de sus productos, en la vía pública, para llamar la atención del consumidor, como el caso del balón de Nike; o por otro lado los objetos con fines artísticos o escultóricos como el ejemplo de la cuchara.
Por otra parte, la variación de escala, ya sea en aumento o en disminución, en algunos objetos nos aporta una nueva funcionalidad, como se muestra en el resto de imágenes no mencionadas anteriormente.

Análisis de un objeto según Bruno Munari.

Nombre: The Ant Chair (1952)


Autor: Arne Jacobsen (1902 - 1971)


Productor: Empresa de mobiliario de Fritz Hansen fundada en 1872.


Dimensiones : Ancho 480 o 510 mm, altura 770 mm, profundidad 480 mm y altura del asiento 440 mm.


Materiales: Las patas son de acero cromado protegidas con tacos de plástico y el asiento y el respaldo están unificados mediante un contrachapado de madera plegada.


Peso: 2 kg.


Técnicas: Las técnicas de producción son las idóneas para este tipo de materiales, el doblaje de la madera en serie reduce el tiempo de producción y produce mejoras de acabado, Jacobsen tuvo la oportunidad de fabricar en serie y producir por primera vez una silla con asiento y respaldo moldeados a partir de una sola pieza.



Coste: 390 €.


Embalaje: Al igual que el producto, el embalaje destaca por su originalidad ya que se empaqueta en una caja triangular.


Utilidad declarada: Descanso en posición sedente.


Funcionalidad: Descanso y decoración de interiores o exteriores.



Ruido: Se han colocado unos tacos en las patas, evitando así el ruido de contacto con el pavimento al arrastrarla y la posibilidad de rayado del mismo.


Mantenimiento: Si el producto presenta algún defecto se enviará a la fábrica y allí se encargarán de devolverlo al consumidor en perfecto estado, reparándolo o cambiándolo por otro. Para mantenerlo es suficiente con no aplicarle productos de limpieza dañinos a la madera.


Ergonomía: Sus condiciones ergonómicas son buenas ya que la forma del asiento se adapta perfectamente al cuerpo humano y las medias del asiento y la altura del mismo están dentro de los parámetros establecidos.
El defecto aparente quizás sea que posee 3 patas las que pueden aportar cierta inestabilidad.
Acabados: Madera pintada y barnizada y acero cromado.


Manejabilidad: Su manejo es fácil debido al peso ligero que posee y al agarre por cualquier zona.


Duración: Infinita siempre que se conserve bajo unas temperaturas normales y con un cuidado de limpieza adaptado a sus materiales.


Toxicidad: No tiene.


Estética: Este producto es estético ya que genera una innovación dentro del diseño de sillas, gracias a sus formas redondeadas que se adaptan a la figura humana y que recuerdan a su vez, a la silueta de una hormiga.


Moda: Se adapta a cualquier moda por su diseño minimalista.


Valor social: Debido al coste del producto y prestigio del diseñador, se adaptaría a un nivel social de clase media o media-alta.


Esencialidad: Destaca en este factor ya que Arne Jacobsen consiguió con sólo 3 patas producir estabilidad y con una única pieza fabricar el asiento y el respaldo.


Precedentes: Evolucionó a lo largo del tiempo, y adquirió diferentes tipos de maderas y acabados. Tras la muerte de Frizt Hansen se empezó a producir el mismo producto con 4 patas, en contra de las ideas del mismo.


Aceptación: Buena.

A. Aalto

A. Aalto, arquitecto y diseñador de muebles finlandés.

1. OBJETO Y JUSTIFICACIÓN.

La imagen que hemos adjuntado se trata de un collage elaborado por nosotras mismas, partiendo de uno de los objetos más significativos de A. Aalto.
Los aspectos que asocian esta imagen al autor son, entre otros, la abstracción y la irregularidad en las formas, el uso de formas en abanico inspiradas en la naturaleza, y la simplicidad.
En cuanto al material del jarrón Savoy, destaca el uso del vidrio por ser característico de su país, ya que fue uno de los pioneros en la utilización del mismo. Utilizaba también la madera como molde para sus diseños en vidrio, en la actualidad substituído por moldes de acero que dan como resultado superficies más planas y menos móviles.

2. OBRA DE MAYOR ESCALA.

La obra que hizo posible el diseño de este objeto, ha sido el Pabellón de Finlandia para la exposición universal de París. El país anfitrión reservó un pabellón ya acabado dentro de la alargada construcción para las naciones más pequeñas, sólo se podía construir un espacio interior limitado y estrecho. A. Aalto participó en el concurso para hacer realidad la idea de la que tuvo que abstenerse en los planos de la Villa Mairea, consistió en colocar a uno de los lados una superficie de forma ondulada inclinada hacia delante que evocaba a la aurora boreal.

3. RELACIÓN ENTRE OBRAS.

La una sin la otra son inseparables ya que el objeto elegido se realizó para exponerse en el Pabellón citado anteriormente.
La imagen adjuntada muestra la distribución y forma del espacio conseguidos donde se aprecia que la "pared de la aurora boreal" utiliza los mismos conceptos de forma y finalidad que en la realización de nuestro objeto seleccionado.

4. RELACIÓN OBJETO- CONTEXTO.

Consideramos que el objeto diseñado en cierto modo si que debe estar relacionado con el contexto, es decir, cuando se nos plantea un proyecto se piensa en el usuario actual y su finalidad. A pesar de que lo realizamos en un momento presente, nuestro conocimiento se basa en movimientos pasados intentando aportarle aspectos innovadores que lo situen en el contexto actual. Por este motivo, objetos de movimientos anteriores, se emplean hoy en día sin sentirse desajustados en la época, al igual, que objetos que realicemos ahora podrán encajar en el futuro.

5. DESAJUSTE DISEÑO- CONTEXTO.

La imagen que adjuntamos pertenece al puente de Calatrava en la ciudad de Venecia, y lo consideramos un desajuste debido a que rompe con la estética de la ciudad.

Está realizado en acero, cristal y bronce, materiales innovadores que deterioran la esencia de la arquitectura de la ciudad, además de ser un inconveniente en el tránsito de los ciudadanos.

Walter Gropius y la Bauhaus

El texto que se va tratar a continuación pertenece al movimiento moderno de la Bauhaus del cual se extraerán las ideas más importantes que lo caracterizan.

La época que engloba la Bauhaus abarca desde 1919 hasta 1933, esto lo sitúa en el S XX. correspondiente al movimiento moderno, su fundación pertenece a un momento de esplendor de las vanguardias artísticas, en el período de entreguerras, primero en Weimar, y posteriormente en Dessau, época a la que pertenece el texto.
El concepto de la Bauhaus va asociado a una escuela de diseño que integra lenguajes artísticos y producción artesanal e industrial, con una formación rigídamente racionalista.

El autor del texto es Walter Gropius, arquitecto y principal fundador de la Bauhaus, destaca por su capacidad para enfrentarse a la resolución artística de los problemas de las construcciones realizadas para la industria, ademas de su habilidad para dotar de nobleza y carga estética a la construcción industrial.
Sus seguidores como directores de la escuela fueron Hannes Meyer y Mies Van Der Rohe.

La Bauhaus surge con las devastadoras consecuencias de la creciente industrialización, primero en Inglaterra y mas tarde también en Alemania, reflejandose en las condiciones de vida y en la producción de los artesanos de la clase obrera.

Esta escuela sigue unos principios básicos de diseño:

• Preocupación por todos los ámbitos. En ella se diseñaba "desde la cuchara a la ciudad" demostrando un acercamiento simultáneamente científico, artístico y funcional al diseño de cualquier tipo de elemento que formara parte de la esfera de lo habitable. La interacción de varias disciplinas como la arquitectura, el diseño gráfico, las artes visuales, el teatro, el mobiliario o la escultura, afrontaban un proceso de renovación técnica e intelectual.


• Teorías de diseño. La teoría principal es que "la forma sigue a la función" , primero se debe realizar una fase de experimentación acerca de las utilidades de cada objeto para así después elaborar un buen proceso de diseño. Otras de las teorías que se han tenido en cuenta fueron el uso de las formas elementales y los colores primarios , empleo de contrastes de forma, material, proporción,creación de motivos a través de desdoblamientos, simetrias axiales y rotaciones, aplicadas todas ellas en los diferentes talleres de la escuela. Teniendo en cuenta estas teorías se diseñaba un modelo tipo que cumplía unicamente la totalidad de requerimientos básicos del objeto, obteniendo así la característica más importante a la hora de diseñar, que es la funcionalidad.


• Estandarización. Fue un aspecto relevante a la hora de incorporar los procesos industriales. Se consideró más que una opción de diseñar, una necesidad, ya que todas las personas poseemos unas medidas antropológicas similares que debemos tener en cuenta a la hora de fabricar un producto. Para seguir este método se requiere de la máquina, dando lugar a una producción industrial más barata y mejor, ya que se pierde el costoso trabajo del artesano. De este modo la persona que realiza el prototipo adquiere la capacidad de enfrentarse al trabajo del artesano y aumenta aspectos tecnológicos, económicos y formales, anteriormente no utilizados, siendo así una persona altamente cualificada.


• Fusión entre arte e industria. Uno de los principales objetivos de la escuela era unir los conceptos de arte, artesanía y tecnología, se le daba valor a la máquina y destacaban la producción industrial y diseño de productos. No se pretendía rechazar la labor del artesano, sino que fusionarla con la industria, para crear así un nuevo factor de desarrollo.


• Formación en laboratorios. La enseñanaza en esta escuela estaba más asociada a un centro de investigación que a una formación teórica, ya que se realizaban prácticas de aprendizaje sobre situaciones reales. La investigación era la base de un buen diseño, ya que , para llegar a una determinada forma se precisaba una investigación sistemática, teórica y práctica. Ademas se preocupaban por diseños sencillos y de escasas piezas para facilitar su producción industrial.
  
  

La meta de esta escuela era conseguir productos estándar que mejoraran la calidad de vida de los ciudadanos.

Por último se añade el objeto que cumple los principios de esta escuela:

Se trata de una escultura movil, diseñada por Christian Flensted en la que se muestra el código básico de la Bauhaus: Las formas y los colores primarios están presentes.

Según un estudio realizado por Kandinsky cada color pertenece a una forma concreta para crear un diseño armónico.

La suspensión del móvil nos permite apreciar los efectos psicológicos de las formas y colores.

Bibliografía:

- " Bauhaus" de Magdalena Droste, enciclopedia "Descubrir el arte"

- Apuntes de historia del arte y la arquitectura, de Arquitectura de Interiores.

- http://www.wikipedia.com/

Frank. O. Gehry y su ideal de belleza

Después de haber realizado una búsqueda acerca del arquitecto americano, Frank O. Gehry, hemos considerado los siguientes aspectos que engloban su ideal de belleza:

1. RELACIÓN CON EL ENTORNO: La arquitectura es un arte, como una escultura habitable, sinuosa, funcional e integrada en el entorno. Pretende mantener la imagen inicial del hábitat en el que se encuentre su obra.
2. USO DE LA FORMA: incorpora varias formas geométricas que crean una corriente visual entre ellas, generando así un juego de volúmenes curvos que forman un todo (conjunto) a partir de discontinuidad de elementos. Utilizando siempre un proceso de diseño no lineal.
3. ESCALA: Contrasta diferentes modelos de escalas, de una misma forma, múltiples veces para crear un orden dentro del caos.
4. MATERIALES: Como reflejo de su identidad emplea materiales innovadores en ese ámbito como el titanio. A pesar de ello, también utiliza otros materiales más comunes como madera y cartón para la realización de su mobiliario.
5. ILUMINACIÓN NATURAL: Destaca en la mayoría de sus obras como un factor muy importante gracias a la propiedad del material del vidrio, aunque a veces visualmente pase desapercibido, sus interiores poseen una gran luminosidad ya que distribuye la entrada de la luz de un modo muy estratégico.
6. LENGUAJE ORGÁNICO Y ESCULTÓRICO: Se caracteriza por la búsqueda de lo particular que tiende a la forma múltiple y dinámica. Este lenguaje rechaza cualquier tipo de clasificaciones proponiendo una mayor variedad en las formas. De este modo, el diseño estará dotado de una multiplicidad de variantes, formas libres, ángulos distintos a 90°,etc. Concibiendo así el diseño como una obra escultórica.
7. ESTILO DECONSTRUCTIVISTA: Se basa en la fragmentación de los elementos, y la manipulación de las ideas, con la finalidad de distorsionar la estructura y la envolvente del edificio, produciendo de este modo un caos controlado.

A continuación añadimos una imagen que consideramos que reúne dichos aspectos característicos de este autor.

El autor de este diseño es Ron Arad, lo hemos escogido por la similitud de ideas que nos refleja este objeto, entre ellas destacamos la utilización de planchas de acero como único material, pese a que son elementos independientes, al unificarlos forman un todo, siguiendo la línea propia de Gehry, ya que no emplea ninguna superficie rectilínea.

El objeto final se obtiene utilizando la misma forma a distintas escalas, recordando edificios de nuestro autor como el Guggenheim.

Este autor pretende diseñar una silla fragmentando cada una de sus partes, logrando así crear un objeto común, de una manera diferente.